Escuela de danza

GUILLERMO WEIKERT
Práctica:
La propuesta plantea arrojarnos al juego y a la improvisación sin pararnos a cuestionar nuestras ideas previas sobre los límites y las capacidades propias: un viaje de descubrimiento, por tanto, sobre territorios aparentemente conocidos y explorados como los de nuestra fisicalidad y movimiento. Una manera de salir al encuentro de nuestra propia mente, de conseguir tocar, aunque sea por un momento fugaz, la cabeza del mono loco de nuestro imaginario de movimiento más innato e intuitivo. Abierto a intérpretes escénicos de cualquier tipo de formación y background, la propuesta sí requiere una determinación para la intensidad física, un deseo de redescubrir y ampliar nuestro sistema de creencias sobre “lo que puede un cuerpo” y sobre las posibilidades expresivas y comunicativas del trabajo físico en escena.

Guillermo Weickert, formado como actor en el Instituto del Teatro de Sevilla (1992–1997) y como bailarín en el Centro Andaluz de Danza (1994–1998), se especializa como intérprete creador en los Talleres de Creación Coreográfica de la Junta de Andalucía dirigidos por Juan Antonio Maesso. En 1998 es becado por la Junta de Andalucía para integrarse en la compañía Metros de Ramón Oller en Barcelona. Ha sido comisariado por Rui Horta para los encuentros europeos COL*LINA (2007) y seleccionado para el programa Collediscope del Festival de Brighton (2016).

Su trayectoria se define por una doble aproximación al teatro y la danza, centrada en los márgenes de intersección entre disciplinas. Desarrolla una carrera multifacética como intérprete, creador, director escénico y artístico, coreógrafo, gestor cultural y docente en contextos que abarcan la danza, el teatro físico, el flamenco, la performance y el circo.
Como intérprete ha trabajado con destacados creadores y compañías nacionales e internacionales como Alex Rigola, Rui Horta, Sol Picó, Karine Ponties, Teatro de La Abadía, Marta Pazos o Baró d’Evel, actuando en ciudades como Barcelona, Madrid, Bruselas, Berlín, Lisboa o Cardiff. Actualmente gira internacionalmente con Qui Som? de Baró d’Evel, estrenado en el Festival de Aviñón 2024, y con Luz Sobre las Cosas, última creación de su proyecto WWWEICKERT.

Como creador, investiga el movimiento como herramienta de comunicación y transmisión cultural. Con producción de El Mandaito S.L. firma espectáculos premiados como Días Pasan Cosas, Lirio entre Espinas, MATERIALINFLAMABLE o Parece Nada.

Colabora habitualmente con artistas de distintos ámbitos y realiza trabajos de dirección, coreografía y asesoramiento para numerosas compañías y creadores. También desarrolla proyectos culturales, pedagógicos y comunitarios, y ha sido reconocido con el Premio “Salvador Távora” a la trayectoria profesional y premio nacional de danza en 2025.

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MARÍA CABEZA DE VACA
Práctica: Beauty

"...pues la belleza no es nada sino el comienzo de lo terrible que todavía podemos soportar".

María Cabeza de Vaca nos invita a una sesión de trabajo articulada como un viaje de movimiento continuo pero atravesado por distintos paisajes emocionales...

Un ritual de silencio y de ruido para convocar a los ritmos profundos del cuerpo, conectar con el deseo y aflojar el control. Una composición espontánea donde compartir a través de la intuición y lo lúdico el placer de bailar en medio de estos tiempos convulsos que atravesamos.

María Cabeza de Vaca, bailarina y coreógrafa, cuenta con una larga trayectoria que arranca como interprete en destacadas compañías de danza y teatro. Actualmente combina su faceta de interprete para otras compañías con la de creadora con piezas como “Una forma fácil de Acabar con Todo”, (premio Mejor Espectáculo de Sala 2013 otorgado por la Pad, pieza seleccionada por la plataforma internacional Aerowaves en 2014), “Cabeza de Vaca”, (premio escenarios de Sevilla mejor interprete 2018). “Catástrofe” pieza creada en complicidad con el Festival Surge dentro de la VII Muestra de Creación Escénica de la comunidad de Madrid, Festival de Otoño 2020.

El intercambio con otros creadores y la indagación en otros lenguajes artísticos es un elemento constante en su trayectoria. Ha colaborado con artistas como el coreógrafo Guillermo Weickert, la artista plástica y visual Ro Sánchez, la escultora Ana Jonsson, el músico Miguel Marín, o la creadora francesa Emanuelle Santos. Este intercambio y esta búsqueda de nuevos lenguajes le ha llevado a encontrar espacios más allá de los teatros: ha realizado piezas para espacios alternativos y museos como sus colaboraciones con el colectivo de arquitectos Nomad Garden, con el artista y comisario Abraham Hurtado para C. Centro Negra, (Murcia) o su reciente participación en el ciclo Radicantas dentro de las actividades del museo IVAM de Valencia.

Como docente ha impartido cursos en el máster de pensamiento y creación contemporánea, (Valladolid) Intitut del Teatre de Barcelona (Conservatorio Superior de Danza), Centro Andaluz de Danza, Escuela Profesional de Danza de Burgos, Conservatorio de Danza de Valencia y en diversos conservatorios y universidades de España.

Como asistente coreográfica y directora de movimiento escénico ha trabajado para el CDN (Centro Dramático Nacional), CDG (Centro Dramático Gallego), Teatro Real, Teatro Español... y la compañía Isabel Bayón o Teresa Navarrete, entre otras.

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MANUEL RODRÍGUEZ

Práctica:
La práctica artística de Manuel Rodríguez se despliega como una exploración poética, un movimiento constante hacia la resignificación de los límites que configuran su percepción del cuerpo, el lenguaje y el espacio. En este tránsito, este cuerpo deja de ser un mero instrumento de expresión para convertirse en un archivo vivo, un umbral que conecta lo tangible con lo simbólico, lo sensorial con lo ficcional. La sesión se articula a través de la improvisación guiada por medio de diferentes prácticas, donde una serie de pautas que operan por acumulación estimulan la imaginación, la atención y una percepción sensorial ampliada. El cuerpo se prepara desde distintos niveles y estados, generando un terreno en continuo cambio y abierto al descubrimiento, y es abordado como un instrumento sensible, en su sentido más amplio. El trabajo rítmico se activa a través del estímulo sonoro, atendiendo tanto a fuentes externas como internas, para afinar la escucha y la organización del movimiento. Su investigación más reciente toma forma, a través de varias piezas en serie entre las que se encuentran “Zero”, “Alien” y “Otra cosa que no es una conferencia”, esta última saldrá a la luz en marzo de 2026 en el Teatro Mercat de les Flors de Barcelona. Alien y Zero se han mostrado en Centro Centro Cibeles, la SKH Universidad de las Artes de Estocolmo, UNIA Universidad Internacional de Andalucia, El museo Thyssen de Madrid y la galeria Steinsland Berliner de Estocolmo con el apoyo de Graner Centro de Creación del Cuerpo y el Movimiento, Nau Ivanou, Elamor y el Instituto de Cultura de Barcelona. Su proyecto anterior “MANU”, prólogo a esta investigación, fue estrenada, creada y coproducida por el Centro Coreográfico Canal y NOT de Ljubljana, representada hasta ahora en diferentes lugares de España, Italia y Eslovenia.

Manuel Rodríguez, es un artista multidisciplinar nacido en Úbeda (Andalucía) cuya práctica abarca la danza, la coreografía y las artes visuales. Es Máster en “New Performative Practices” por la SKH Universidad de las Artes de Estocolmo. Su trabajo investiga de forma poética los límites entre cuerpo, lenguaje y espacio, entendiendo el cuerpo como un archivo vivo y un umbral entre lo tangible y lo simbólico. Ha presentado sus obras en destacados teatros, museos y centros de arte nacionales e internacionales como Mercat de les Flors, MACBA, Museo Thyssen, Centro Centro Cibeles, Kyoto Art Center, Bonnefanten Museum, De Pont Museum, Cukrarna (Eslovenia) y la Steinsland Berliner Gallery, entre otros. Su investigación reciente se articula en piezas como “Zero”, “Alien” y “Otra cosa que no es una conferencia” (estreno en 2026 en Mercat de les Flors). Ha desarrollado proyectos escénicos, instalaciones y encargos para instituciones como la UNESCO, el Museo TEA Tenerife o el Pabellón Mies van der Rohe, además de colaboraciones con artistas visuales y coreógrafos de referencia. Su obra ha sido reconocida con numerosos premios y selecciones internacionales (Butaca, Aerowaves, Burgos/NYC, MasDanza, Gdansk Solo Dance Contest). Paralelamente, trabaja como director de movimiento y creador audiovisual para marcas y plataformas como Hermès, Mugler, Netflix, Nowness y Mango, y desarrolla una intensa labor pedagógica en conservatorios y centros de formación artística. Sus creaciones han pasado por museos, galerías de arte y espacios no convencionales entre los que cabe destacar: Museo MACBA, Thyssen, Kyoto Art Center, Steinsland Berliner Gallery Stockholm, Cukrarna Eslovenia, Bonnefanten Museum Maastricht y De Pont Museum Tilburgo, Galeria Estrany - De la Mota. Y en colaboración con otros artistas como en el caso de la Blue Project Foundation junto al artista plástico Japonés Nelo Akamatsu con la pieza “Hacer visible, lo invisible”, Sala Verónicas de Murcia con el artista Javier Pividal, con el que también realiza una colaboración en la Academia de España en Roma en 2021 y en la Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid https://manuelrodriguezr.com/

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CATHERINE COURY

Práctica: GAGA for people
Gaga es un lenguaje de movimiento que Ohad Naharin desarrolló en el transcurso de muchos años y que los miembros de la Batsheva Dance Company aplicaron en sus ejercicios y en su práctica diaria. Trabajamos mucho el enraizamiento de nuestro cuerpo, y desde su base, encontrar las cualidades de elasticidad junto con la fuerza y el dejarse llevar para alcanzar un flujo continuo de energía entre la expansión interna y externa. La clase es un ejercicio físico y mental. Los participantes son constantemente estimulados por cambios en la calidad del movimiento, la textura dinámica y la musicalidad. A través del juego físico, los participantes trabajarán para seguir sus propios impulsos internos, escuchando como individuos y como grupo, construyendo confianza y siendo conscientes de las infinitas cualidades dentro de sí mismos. Se trabaja con capas de información, escuchando al cuerpo, pero con la mirada abierta sin perder el sentido de la percepción. Cuidamos nuestros cuerpos, de forma recíproca y en silencio.

Catherine Coury, –cofundadora y co-directora de Marcat Dance y Festival Vildanza– es bailarina principal y asistente creativa del coreógrafo Mario Bermúdez, así como profesora Gaga (Lenguaje de movimiento de Ohad Naharin / Batsheva Dance Company) e Ilan Lev Practitioner.

Catherine ha recibido el Premio Paul Boylan 2024 de la Universidad de Michigan (E.E.U.U.), así como varios galardones como Mejor Intérprete Femenina de Danza Contemporánea en los Premios Escenarios de Sevilla (2023), los Premios Lorca (2023), y los Premios PAD de Sevilla (2020).

Dedicada a la educación en danza, en 2019 Catherine inició el primer Programa de Intercambio con la Universidad de Michigan en España, donde estudiantes de Estados Unidos se unen con bailarines europeos profesionales para aprender el repertorio y técnica de Marcat Dance.

Antes de Marcat Dance, Catherine vivió y trabajó en la ciudad de Nueva York durante cinco años trabajando independientemente con los coreógrafos Shen Wei y Shannon Gillen. Como intérprete, realizó giras internacionales en lugares como el Lincoln Center (Nueva York), Art Basel (Miami), Festival de Danse (Cannes) y Stanislavsky y el Teatro Nemirovich-Danchenko (Moscú), entre otros. Como administradora de danza, Catherine desempeñó un papel integral en el desarrollo de Gallim Dance de Andrea Miller y The Playground NYC. Originaria de Detroit, Michigan, Catherine recibió su BFA de la Universidad de Michigan.
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MARIO BERMÚDEZ

Práctica:
La investigación del movimiento Marcat implica una profunda conexión con el cuerpo y, desde allí, encontrar las cualidades de elasticidad, fuerza y liberación para lograr un flujo continuo de energía entre la expansión interna y externa. La clase es un ejercicio físico y mental que incluye trabajo de suelo y frases cortas de movimiento. Los participantes son estimulados a cambiar las cualidades de movimiento, texturas de dinámicas y musicalidad. A través del juego físico los participantes aprenden su impulso interno, escuchar propuestas de grupo o individuales y generar confianza.

Mario Bermúdez Gil, director artístico y coreógrafo de Marcat Dance (que funda en 2016 junto a Catherine Coury), es un prolífico creador que ha desarrollado un reconocible lenguaje de movimiento marcado por la fisicalidad dinámica y el impacto emocional. Sus trabajos y encargos son interpretados por Marcat Dance y otras compañías líderes en todo el mundo, incluida la Compañía Nacional de Danza de España, la Compañía Nacional de Danza de Gales, la estrella de flamenco Eva Yerbabuena, Hung Dance Taiwán, Nuovo Balleto di Toscana BDT y Scapino Ballet Rotterdam. Antes de Marcat Dance, fue miembro de la compañía Batsheva Dance Company (Tel Aviv, 2012-2016), con la que interpretó obras de Ohad Naharin, Sharon Eyal, Hofesh Shechter y Roy Assaf, y bailó en prestigiosos teatros de todo el mundo, incluida la Ópera Nacional de París, la Academia de Música de Brooklyn (NY) y El Centro Kennedy para las Artes Escénicas (Washington, DC). De 2010 a 2012 trabajó en Nueva York, donde bailó con Gallim Dance de Andrea Miller y Jennifer Muller/The Works. Su formación comenzó a los 20 años en el Centro Andaluz de Danza en Sevilla, España, entre 2008 y 2010. Premios y menciones: ¨Mejor coreografía de 2018/2019¨ Escenarios de Sevilla (2019); Premio Joven Artista de Jaén, Andalucía (2018); “25 To Watch” en Dance Magazine USA (2017): “Premio al mejor bailarín” del Certamen Coreográfico Distrito de Tetuán (2017): Premio al mejor intérprete masculino de danza en los XXVI Premios Max 2023; Premio ‘El Ojo Crítico’ de RNE en la categoría de Danza 2023. https://marcatdance.com/

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ANTONIO RUZ

Desde la antigüedad, se ha bailado al aire libre, en la naturaleza, en ceremonias, ritos, salones, templos,... Para Antonio Ruz, la danza no debe limitarse a un espacio escénico convencional, sino que puede dialogar con la arquitectura y la energía de otros lugares permitiendo así que otros públicos la descubran y accedan a ella. Un diálogo íntimo con la fisionomía del lugar alterando la percepción del hecho coreográfico en un contexto cercano y tridimensional.

Práctica:
Este curso de danza para espacios no convencionales propone un juego evocador en diálogo constante con la arquitectura, la luz y la música, entendidas como partenaires activos del movimiento. A través de prácticas sensibles y exploratorias, se examina el concepto de presente como una experiencia viva, que se construye desde la percepción, la escucha y la atención plena del cuerpo en acción.

El entrenamiento invita a agudizar los sentidos para habitar el aquí y ahora, permitiendo que el entorno influya y transforme la danza. Se explora la relación entre movimiento y materia como vías expresivas que amplían el lenguaje corporal y poético. El curso está orientado a investigar nuevas formas de composición, presencia escénica y creación situada, fomentando una práctica donde el cuerpo dialoga con el espacio y revela múltiples capas de significado en cada gesto.

Antonio Ruz es un referente en la danza contemporánea. Con un discurso coreográfico que se nutre de diversas referencias artísticas, ha creado un perfil estético propio que lo distingue en el vasto océano de la danza contemporánea. Su estilo, en convivencia con otras disciplinas artísticas y con una amplia trayectoria internacional, define etiquetas y categorizaciones. Nacido en 1976 en Córdoba, España, su sentido musical se forjó en las cadencias de la cultura andaluza. El espíritu artístico que fluía a través de los juegos de un niño que escuchaba música, construía belenes y bailaba sevillanas sigue vivo hoy en el adulto que crea jugando. Su proceso creativo, donde la curiosidad y la intuición se unen en exploraciones escénicas que trascienden las fronteras de la danza, se define por la diversidad de metodologías y formas, creando una poesía singular. Antonio Ruz dio sus primeros pasos de baile en su Córdoba natal, donde residió hasta 1992, cuando obtuvo una beca para formarse en la Escuela Víctor Ullate de Madrid. Tras una exitosa etapa en el ballet de Ullate, donde interpretó personajes como el Albrecht de Giselle, en 2001 su afán por experimentar otros idiomas y culturas lo llevó al Ballet del Gran Teatro de Ginebra. Fue durante esta época que debutó como coreógrafo. En sus primeras piezas, 1 Calvario y Cebolla/Oignon, ya forjó una estética propia, donde el enfoque académico coexiste con la imaginería popular de su infancia, llevando a escena la iconografía de la Semana Santa, las romerías y el universo musical de las cofradías. https://antonioruz.com/