En poco más de un año, Adobe Firefly superó los 13.000 millones de imágenes generadas. Y una obra digital vinculada a NFT se vendió en Christie’s por 69.346.250 dólares. No son casos aislados: son la prueba de que la tecnología ya no acompaña al arte, lo está redefiniendo.
El cambio no va solo de herramientas. Va de procesos y reglas: cómo se crea, cómo se conserva, cómo se expone, cómo se distribuye y quién firma una obra cuando el método de producción cambia.
En este artículo repasamos los hitos que transformaron las prácticas culturales y las tecnologías que están marcando el presente —IA generativa, 3D avanzado, XR y blockchain— para responder a una pregunta clave: qué cambia, dónde y por qué importa para quienes crean, investigan o trabajan con cultura.
¿En qué ha afectado la tecnología a las prácticas artísticas y las humanidades?
La tecnología no solo ha añadido herramientas nuevas: ha reconfigurado qué se produce, cómo circula y cómo se legitima la cultura.
Su impacto se puede leer en dos grandes transformaciones.
- Amplía lo que es posible hacer.
Acelera y multiplica la producción, reproducción, registro y distribución de obras. Lo que antes exigía tiempo, infraestructura y acceso limitado (reproducir un libro, difundir una imagen, conservar un documento) hoy puede escalarse de forma masiva y casi inmediata. - Cambia lo que entendemos por arte y por conocimiento cultural.
No solo modifica los medios de creación y difusión: también altera los criterios de reconocimiento, los sistemas de autoría, y los canales de distribución y consumo. Plataformas digitales, digitalización de patrimonio y creación asistida por IA desplazan el centro de gravedad: la obra ya no es solo un objeto, sino también un archivo, un flujo, una experiencia o una interacción.
Momentos clave en la evolución tecnológica que han transformado las artes
La imprenta: reproducción y circulación cultural
La imprenta consolidó la reproducibilidad como infraestructura cultural. La copia deja de ser excepcional y pasa a sostener la circulación de textos e imágenes a gran escala.
En las humanidades, este cambio es estructural: la estandarización de ediciones, la posibilidad de citar y referenciar sobre versiones compartidas y la aparición de comunidades lectoras amplias transforman la transmisión del conocimiento y el ecosistema cultural.
Fotografía, cine y sonido: del registro técnico a nuevos géneros
Con la fotografía, el cine y el sonido, el mundo pasa de ser representado únicamente por la mano a ser registrado técnicamente. La imagen y el audio se convierten en prueba, huella y documento: capturan tiempo, gesto, voz y contexto.
Este salto no solo abrió nuevas formas de representación; también consolidó géneros y prácticas decisivas para la memoria cultural, como el documental, el archivo visual y el archivo sonoro, que cambian la manera de narrar, conservar y estudiar lo real.
Digitalización: de herramienta a material de trabajo
La digitalización marca un giro: el software deja de ser solo herramienta y pasa a ser material de trabajo. Editar, componer y crear a partir de datos se vuelve una práctica habitual, y la obra puede existir como archivo, sistema o proceso.
Además, internet reorganiza la circulación cultural: copiar, publicar y remezclar se integran en el propio flujo de producción. La cultura se vuelve más distribuida, más accesible y también más debatida en torno a autoría, control y legitimación.
Avances tecnologicos y su implicación en el arte
IA generativa y creación asistida
La IA generativa es un tipo de inteligencia artificial capaz de producir contenido nuevo —imágenes, texto, sonido o vídeo— a partir de instrucciones (prompts) y de patrones aprendidos durante su entrenamiento. Su ventaja principal es la velocidad de iteración: puede proponer muchas variaciones de una idea en segundos.
En el ámbito artístico se utiliza, sobre todo, como capa de exploración y prototipado: probar enfoques, buscar estilos, generar borradores y visualizar opciones antes de producir la pieza final.
Herramientas y plataformas habituales (según el tipo de contenido):
- Texto: ChatGPT, Claude, Google Gemini
- Imagen: Midjourney, Flux
- Vídeo: Runway, Luma Dream Machine
- Música: Suno, Udio
En artes visuales e ilustración
La IA generativa ha acelerado la fase de exploración visual. Donde antes el avance dependía de bocetos sucesivos, ahora es frecuente probar composiciones, estilos y atmósferas en paralelo y elegir con material ya visible.
A cambio, el oficio se mueve hacia el control creativo: definir una dirección clara, mantener coherencia estética y rematar con edición y posproducción (selección, corrección, integración y acabado).
En música y creación sonora
En música, el cambio se nota en cómo nacen las ideas. La IA se usa para generar maquetas, variaciones y propuestas rápidas (estructuras, texturas, armonías), y el trabajo creativo se desplaza hacia decidir qué se queda, qué se transforma y cómo se construye una identidad sonora propia.
La composición se vuelve más iterativa, pero el resultado final depende del arreglo, la producción y la interpretación.
En audiovisual y animación
En audiovisual, la IA ha comprimido el camino entre concepto y prueba: permite visualizar una idea antes de entrar en producción, lo que cambia el flujo de decisión (se decide más con imágenes y menos con hipótesis).
El reto aparece cuando se combinan versiones generadas: sube la exigencia de continuidad, dirección de arte y consistencia (personajes, iluminación, estilo, movimiento).
En escritura y edición
En escritura, la IA acelera el borrador y la reescritura: generar alternativas, reordenar ideas o ajustar el tono pasa a ser una fase más del proceso.
El valor se concentra en el control editorial: precisión, coherencia, voz propia y verificación (especialmente cuando el texto incluye datos, referencias o afirmaciones sensibles).
Gaussian Splatting y NeRFs en la representación 3D
Las NeRFs (Neural Radiance Fields) son una tecnología basada en IA que transforma un conjunto de fotos 2D en una escena 3D volumétrica. A diferencia del 3D tradicional —construido con mallas y polígonos—, las NeRFs aprenden cómo se comporta la luz en el espacio para reconstruir la apariencia de una escena desde cualquier punto de vista.
El resultado es que se pueden generar vistas nuevas desde ángulos que nunca fueron fotografiados, con un nivel de fotorrealismo especialmente alto.
El Gaussian Splatting es una evolución técnica de este enfoque, diseñada para ser mucho más rápida. En lugar de representar la escena con geometría sólida, utiliza millones de “puntos” o gaussianas 3D (como pequeñas pinceladas volumétricas) que, al combinarse, forman una reconstrucción extremadamente realista.
Su gran ventaja es el rendimiento: permite navegar por la escena en tiempo real (60 fps o más) manteniendo calidad fotográfica, lo que abre la puerta a usos en móviles, realidad virtual y experiencias interactivas (incluidos videojuegos).
En patrimonio y museos
Estas técnicas están cambiando la forma de construir visitas digitales de espacios culturales. En lugar de depender de panorámicas 360º o de modelos 3D pesados, permiten recorrer una escena con continuidad entre puntos de vista, con una sensación espacial más natural y cercana a la experiencia presencial.
Esto refuerza la mediación cultural: se pueden diseñar recorridos remotos con gran detalle visual y navegación libre, útiles para educación, difusión y acceso cuando la visita física no es posible.
En investigación y documentación visual
En investigación, el salto está en la documentación utilizable. Un espacio u objeto se registra como una escena que puede inspeccionarse desde múltiples ángulos sin necesidad de repetir la toma in situ. Esto facilita comparar detalles, estudiar relaciones espaciales y trabajar con registros más consistentes que una colección de fotos aisladas.
En humanidades y patrimonio, estas representaciones funcionan a la vez como material de análisis y como soporte para comunicar resultados con alta fidelidad visual.
En producción de experiencias digitales
En producción cultural, estas técnicas acortan el camino entre captura y experiencia: una serie de fotos puede convertirse en una escena navegable para prototipos de exposiciones digitales, contenidos web o piezas interactivas.
También cambia el flujo de trabajo: se toman decisiones creativas con la escena ya “recorrible”, y se ajustan narrativa, mediación e interacción sobre una base espacial realista.
Realidad extendida (XR) y computación espacial
La realidad extendida (XR) agrupa un conjunto de tecnologías que combinan lo físico y lo digital para crear experiencias inmersivas o híbridas. Incluye:
- Realidad virtual (VR): sumerge al usuario en un entorno completamente digital.
- Realidad aumentada (AR): añade capas digitales sobre el mundo real (información, imágenes, objetos).
- Realidad mixta (MR): integra elementos digitales en el entorno físico y permite interactuar con ellos como si estuvieran “ahí”.
La computación espacial es la base técnica que hace posible esa integración de forma convincente. Reúne sensores y sistemas de seguimiento capaces de entender el espacio (posición, profundidad, movimiento) para que la experiencia responda en tiempo real a cómo se desplaza y actúa el público.
En artes y humanidades, esto desplaza el foco: la obra deja de ser solo un objeto para contemplar y pasa a convertirse en una experiencia situada, construida a través del espacio, la interacción y el recorrido.
En museos y mediación cultural
La XR ha transformado la visita al museo al convertirla en una experiencia guiada por el espacio. En lugar de depender solo de cartelas, audioguías o recorridos lineales, el visitante puede acceder a capas de información y contexto que aparecen justo donde tienen sentido: delante de una obra, en una sala concreta o al activar un punto del recorrido.
Esto amplía la mediación cultural porque el público no solo observa: también explora, compara y “desbloquea” contenidos según su propio itinerario.
En instalación contemporánea e interactividad
En la instalación contemporánea, la XR desplaza parte del trabajo hacia el diseño de la respuesta de la obra al cuerpo y al entorno. La pieza deja de ser un objeto cerrado y pasa a comportarse como un sistema reactivo: detecta presencia, gestos y desplazamientos, y modifica lo que ocurre en función de ellos.
Esto cambia el lenguaje expositivo: importa tanto lo que se muestra como cómo se recorre y se activa la experiencia.
En artes escénicas y performance
En las artes escénicas, la XR introduce capas digitales que reconfiguran la relación entre cuerpo, escena y narración. Puede ampliar la escenografía, habilitar puntos de vista imposibles o situar al público dentro de una experiencia que no se limita al escenario.
El trabajo creativo se desplaza hacia coreografiar la atención y la participación: qué ve el espectador, desde dónde lo ve y con qué grado de intervención en lo que sucede.
En patrimonio y experiencia in situ
En patrimonio, la XR permite superponer reconstrucciones, contexto y explicación directamente sobre lugares reales. En vez de narrar el pasado solo con texto o imágenes, se añaden capas visuales que ayudan a comprender transformaciones, usos y elementos desaparecidos en el propio emplazamiento.
Esto refuerza el aprendizaje situado: se interpreta el lugar desde el espacio, no desde una representación externa.
Blockchain y NFTs 2.0
La blockchain es un sistema de registro digital que permite guardar información de forma verificable sin depender de un único intermediario. En el ámbito cultural se utiliza, sobre todo, para registrar transacciones y asegurar la procedencia de activos digitales.
Un NFT es un identificador único asociado a un archivo u obra digital. No es la obra en sí, sino el registro que permite diferenciarla, seguir su historial (propiedad y transferencias) y vincularla a determinadas condiciones de venta o uso.
Cuando se habla de NFTs 2.0, el foco se desplaza desde la novedad hacia aplicaciones más prácticas: trazabilidad, procedencia, distribución por ediciones y gestión de derechos en la circulación de obra digital.
En mercado del arte y coleccionismo digital
Blockchain y los NFTs han hecho posible coleccionar obra digital con procedencia registrada. La pieza puede transferirse y revenderse manteniendo un historial verificable, algo que antes dependía de certificados externos o de la confianza en intermediarios.
Esto ha contribuido a normalizar la compra de obra nativa digital y a ordenar conceptos clave como ediciones, unicidad y circulación (qué se compra exactamente y cuántas “copias” existen en forma de edición).
En autoría, licencias y derechos de uso
Los NFTs obligan a explicitar qué se adquiere: si es solo el certificado/registro, si incluye derechos de reproducción, si permite usos comerciales o si limita la reutilización. En lugar de quedar implícitas, las condiciones de uso pasan a formar parte del acuerdo y, a menudo, del propio registro.
Esto desplaza el trabajo hacia la definición previa de licencias y límites, especialmente en proyectos profesionales e institucionales donde la claridad legal es parte del valor.
En distribución cultural y nuevas formas de acceso
Más allá de la compraventa, los NFTs se utilizan como mecanismo de distribución y acceso: ediciones limitadas, entradas a experiencias, contenidos exclusivos o pertenencia a comunidades culturales.
Así aparecen modelos de relación más directa entre creadores, instituciones y públicos, donde el token funciona como llave de acceso (o credencial) más que como objeto especulativo.
En archivos, trazabilidad y preservación de obra digital
La blockchain aporta trazabilidad (qué versión es cuál, de quién ha sido y cómo ha circulado), pero no garantiza por sí sola la preservación del archivo digital. El registro puede permanecer, mientras que el contenido suele almacenarse fuera de la cadena y requiere políticas de conservación propias.
Esto obliga a separar con claridad dos capas: registro (blockchain) y conservación (archivo/repositorio), especialmente en contextos patrimoniales.
El momento actual ya no permite mirar desde fuera. La tecnología está cambiando cómo se crean las obras, cómo se accede a ellas y cómo se toman decisiones en el ámbito cultural, profesional y académico.
Por eso, lo importante no es “estar al día”, sino desarrollar criterio: experimentar, contrastar y tomar posición. Saber qué herramienta encaja en cada práctica, cuándo usarla y para qué.
No se trata de correr detrás de lo último. Se trata de participar activamente en una evolución cultural que ya está en marcha.